Comunidad Kalipedia - Artes

La pasión de la artista CRIS ACQUA por el OROGAMI

2008-09-10T23:28:36+02:00

"...Sabía de la pasión que tiene Cris Acqua por las texturas, por las luces y sombras, por los pliegues, por los manuscritos, pergaminos y papiros...por el arte de doblar papeles...( OROGAMI en Japón ) por esas transparencias de seda sobre fondos oscuros que nos enseñan..." que las cosas existen, antes de existir..."
Sus más queridas obras de arte, se pliegan, se doblan, se retuercen...y cuando se rebelan, se esconden detrás de formas invisibles...
Os invito a disfrutar de todo ésto y más...tánto, como vuestra imaginación os permita...y si os apetece, teneis la posibilidad de tener y coleccionar algunas de éstas hermosas obras...

(Giovanna Di Arco-Coleccionista y critica de arte )

http://www.crisacqua.com

" … It knew of the passion that has Cris Acqua by the textures, by the lights and shades, you fold by them, by the manuscripts, parchments and papyruses… by the art to double papers… (OROGAMI in Japan) by those transparencies of soothe on dark bottoms that teach… " to us; that the things exist, before existing… " His more dear works of art, are folded, bend, they twist… and when they are rebelled, they hide behind invisible forms… I invite to you to enjoy all this and more… as much, as your imagination allows you… and if it desires to you, teneis the possibility of having and of collecting some of these beautiful works… (Giovanna Di Arc-Collector and criticism of art)

Artes

2008-10-06T04:19:46+02:00

Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una necesidad del hombre de expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos, el arte es un producto o acto creativo. Los griegos antiguos dividían las artes en superiores y menores, siendo las artes superiores aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores, vista y oído, con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluye lapoesía, y con la música se incluye el teatro. Esa es la razón por la que el cine es llamado a menudo hoy, el séptimo Arte. Las artes menores, según ello, serían las que impresionan a los sentidos menores, gusto, olfato y tacto, con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y algo que podríamos llamar cariciería, nombre que si bien suena un poco raro, se manifestaría en la sensación experimentada por toda persona en el momento de tocar un objeto con una superficie especialmente agradable.

:)

2008-08-22T13:33:29+02:00

aa ste e mii bloog aqi van a ver artas qosas de arte ii eso

Sonido 13

2008-09-19T03:56:58+02:00

En el siglo XX la música occidental sufrió profundas

transformaciones que no sólo cuestionan los supuestos melódicos y armónicos tradicionales, sino que incorporan elementos nuevos. Se incluyen sonidos no considerados hasta entonces como musicales; el timbre y la percusión pasan con frecuencia a un primer plano; se exige a los instrumentos tradicionales nuevas presentaciones y se tocan a menudo de forma novedosa, con grave riesgo a veces de su integridad material; por ejemplo, los pianos preparados de John Cage, en los que la alteración tímbrica repercute en su afinación. Se crean nuevas sonoridades y se inventan nuevas escalas, como la hexatona de Claude Debusy o la serie dodecafónica de Arnold Shoenberg; la escala se amplía y el semitono no es ya la unidad mínima, por lo que nace la necesidad de crear nuevos instrumentos.

A esta búsqueda constante de renovar el lenguaje musical y el sistema temperado se le llama microtonalidad. Esta surge de esa búsqueda pero también de las músicas exóticas y la revalorización de la música folclórica, como las escalas africanas de tonos enteros, la escala árabe de diecisiete sonidos que muchos consideran pitagórica, o la de veintidós sonidos de la música hindú.

La microtonalidad, como su nombre lo indica, esta compuesta de microtonos. Un microtono, es cualquier fracción de tono que existe entre, por ejemplo, do y do#.

Hace ya muchos años, un teórico musical llamado Alexander J. Ellis se percató de esto y determinó una nueva unidad de medida para intervalos o notas: el cent. Un cent no es otra cosa que la centésima parte entre un tono y un semitono. Es decir,entre do y do# tenemos 100 cents. Entonces, en una octava de 12 semitonos tendremos 1200 cents.

La visión actual acerca del microtonalismo es que ha existido en las músicas no occidentales (india, árabe), en la música griega (sistema enarmónico), y en la música folklórica de algunas regiones.

La música india, árabe, eslovaca, rumana, húngara, son un buen ejemplo de microtonalidades y muchos músicos intentan estudiar a los teóricos del pasado para integrar a la música occidental los nuevos intervalos.

Estos intervalos surgían de la división intencional de la octava en 18 (tercios) o 24 (cuartos) partes iguales (y unos cuantos años después en 16, 43, 100, etc.), y no como el reflejo de un sistema diatónico transportado a diversas alturas, ni de las 53 comas de Pitágoras. La búsqueda fue ardua, pues los nuevos intervalos requerían notación, instrumentos temperados que los produjeran y sirvieran de guía a los no temperados para la afinación exacta, nuevas reglas de armonía y contrapunto y la revisión de los fundamentos teóricos del sistema de doce sonidos.

En los años cuarenta un músico llamado Julián Carrillo elaboró los planes para mandar fabricar quince pianos en microtonos que iban desde el tercio hasta el dieciseisavo de tono (este último piano recorre noventa y siete teclas en la distancia de una octava de un piano normal). Carrillo fue el único en el mundo que emprendió una tarea así de complicada, y en 1958 sus pianos recibieron una medalla de oro en la Exposición Universal en Bruselas, por el alto valor cultural que representan para la humanidad. Los pianos estuvieron expuestos en el Pabellón Belga junto con la colección de quince arpas y los instrumentos de aliento madera y aliento metal, para formar una orquesta sinfónica del Sonido 13.

A nivel teórico, sobre todo, y con algunas cuantas composiciones experimentales en cuartos de tono se menciona a los músicos alemanes Richard Heinrich Stein, (1882-1942), que construyó un pequeño piano y un clarinete para cuartos de tono y compuso dos piezas para vilonchelo y piano en cuartos de tono (1906), Willi von Moellendorf (que contruyó un pequeño armonium de cuartos de tono y compuso unas cuantas piezas en cuartos de tono), Joerg Mager (que compuso algunos estudios en cuartos de tono) y Ferrucio Busoni (que hizo algunos experimentos infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de tono, y para no comprometer los medios tonos propuso una serie doble de tercios de tono, es decir, sextos de tono) y Hans Barth, que compuso un Concierto para piano en cuartos de tono y cuerdas (1930). Algunos instrumentos electroacústicos de los años veinte, como la Ondolina, el Theremin, las Ondas de Martenot (utilizado posteriormente por Oliver Messiaen, e Iván Wischnegradsky, entre otros) y el Trautonium (utilizado por Paul Hindemith) también sirvieron de impulso porque podían salirse del temperamento de 12 sonidos. Algunos músicos utilizaron los nuevos intervalos como enriquecimiento casual de la composición más que como nuevos sistemas musicales, como el rumano George Enescu (1881-1955) y el húngaro Béla Bartók (1881-1945).

Estos son algunas escalas descubiertas o investigadas por importantes teóricos y/o músicos:

· La escala de 19 tonos de Joseph Yasser

· La escala de harry partch de 43 tonos.

· El sistema de estructuras musicales simétricamente armónicas llamada Combination Product Sets (CPS) inventada por Ervin M. Wilson a fines de los 60, basada en procedimientos matemáticos, con los que se creó las escalas Hexany, de 6 tonos, Eikosany, de 20 tonos, Dekatesserany de 14 tonos. Wilson también creo los Ciclos Diafónicos.

· El sistema Euler Genos o Euler-Fokker Genera, descubierto por Leonhard Euler, del que deriva la escala Octony, de ocho notas de intervalos simétricos.

· La Bohlen-Pierce de 13 tonos de intervalos simétricos.

· La escala Enharmónica Exacta de 25 tonos de Ben Johnston.

· La escala de 24 tonos de Jon Catler

· La escala de 16 tonos de Lou Harrison.

· Alpha, de 19 notas; Beta,de 23 notas; Gamma, de 36 notas, Armónica, y SuperExacta descubiertas por Wendy Carlos

·         La escala de 53 tonos de Larry Hanson.

·         Un número de 700 tonos encontrados en una octava por el músico Kyle Gann.

Además, el microtonalismo ha fomentado el interés porlas escalas de otras culturas y etnias, las que tienen ideas distintas de lo que es "armonía" o "música",como por ejemplo:

·         La escala javanesa Slendro tradicional, de 5 tonos.

·         La escala siamesa tradicional de 7 tonos.

·         Una escala del oeste de África, de 7 tonos.

·         Raga Shruti, de 22 tonos, India

·         Tailandesa tradicional, de 8 tonos. Raga

·         Lu, de 12 notas, por Huai-nan-dsi, de la era Han, en China.

·         Ceremonial, Tibetana.

·         Arábiga tradicional.

·         Pelog Armónica y Pelog Melódica de Bali.

Antiguas escalas en desuso, también están a nuestra disposición gracias a la magia de los cents y la electrónica:

·         Kimberger I, Kimberger II y Kimberger III, escalas inventadas por Johann Philipp Kirnberger (1721-1783).Músico del siglo 18.

·         Escala temperada de Thomas Young.

·         Escala Mayor de Ptolomeo.

·         Temperadas Pitagóricas.

·         1/4 de comma

·         1/5 de comma.

·         Escala Vallotti & Young.

·         Escala Temperada III (circa 1681)de Andreas Werkmeister.

¿Hay lugares musicalmente privilegiados en la Tierra?

2008-10-08T23:02:28+02:00

Parece que existen lugares que son privilegiados en cuanto a talento y a creatividad musical en la Tierra. Por lo pronto no dudo en poner a la zona de los Balcanes en especial, y en general a la cuenca del Mediterraneo. Otra zona musicalmente privilegiada, es sin duda, la zona Andina. No se si sea debido a factores étnicos, o climáticos, o culturales, o todos a la vez, pero es bien conocida la fecundidad andina en cuanto a voces hermosas. además de los estilos musicales de por allá. En México. yo creo que la zona de la Huasteca es otro de estos lugares privilegiados a nivel mundial: tan sólo el Huapango, con sus complejos ritmos, virtuosos ejecutantes y extraordinarios cantantes, habla por sí mismo.
Me encantaría contar con sus opiniones y colaboraciones al respecto: ya se que muchos van a defender sus terruños de alguna forma, pero se trata de conocer todos estos lugares mágicos, y sus más hermosas producciones artísticas.
Deberíamos definir, de alguna manera, ¿se trata de lugares privilegiados?, porque, en los Balcanes los estilos musicales vernáculos, brillan por su abundancia, variedad, originalidad y carácter virtuoso. Entonces puede ser una cuestión cultural, considerando las múltiples interacciones entre diversas y variadas culturas que se han producido en la zona. Aunque también podría ser un elemento étnico, aunque me da un poco de miedo considerar esta posibilidad, porque de entrada yo no soy para nada ni racista, ni xenófobo, pero no dejo de reconocer por ejemplo, que entre las razas negras hay voces maravillosas, y un sentido del ritmo inmejorable. En el aspecto cultural, sin duda la India tiene un lugar muy especial. La Música Clásica Hindú, es impresionante, y si intentas entrar en su teoría, te percatas del grado de refinamiento y exquisitez con que se distingue esta música.
Cantantes extrordinarios se dan también en zonas tan diversas como Rusia, España, Italia y los países andinos, como Perú y Ecuador.
Imperdonablemente me estaba olvidando de los extraordinarios músicos celtas, inventores del Cwrth, de la Gaita y del Arpa Céltica, y otro extraordinario pueblo: los pigmeos, extraordinarios músicos y cantantes, cultivadores del canto polifónico, al que Europa accedió apenas en los SIglos IX al XII. aproximádamente, y quienes además interpretan virtuosamente el sanza (kalimba), el tambor de agua y el djembé (instrumento al parecer importado de los bantú).
En fín, la moneda está echada, convoco a nuestra Comunidad a colaborar en este post que no es tan especializado ni tan sofisticado como mis otros post, aunque les pido que no los olviden.

Sobre la obra de Jhon Cage

2008-08-10T09:05:16+02:00

Hablando sobre la diferencia entre musica y ruido, quiero exponer la obra de jhon cage quien fue un compositor norteamericano nacido en Los Angeles en 1912. Recibio la influencia inicial de la escuela de Schonberg, ya que siguió los cursos realizados por este maestro en California.

En su obra se advierte, en primer lugar, una decisiva preocupación tímbrica, que le impulsó a presentar un tipo de piano en el que el sonido de éste aparece transformado por la integración de una gran variedad de ruidos conseguidos mediante la introducción de objetos de metal, goma u otros materiales entre las cuerdas. En 1938 dio a conocer esta modificación del antiguo piano que justificaba por "la necesidad de cambiar el sonido del instrumento para conseguir un acompañamiento sin emplear instrumentos de percusión". Sin embargo, el elevado número de obras concebidas posteriormente para este «piano preparado» muestra la superación de la intencionalidad primitiva. Destacan, entre ellas, las «Sonatas e Interludios» ( 1949).Esta orientación se desarrolla en las composiciones siguientes mediante su aplicación a otros medios sonoros. En el festival de 1954 de Donaueschingen estrenó 12 minutos 55.677 para dos pianistas y Williams Mix, obra en la que utilizaba ocho magnetófonos conectados con otros tantos altavoces. Más tarde ha empleado varios aparatos de radio retransmitiendo los programas simultáneos de diversas emisoras. Con estos ensayos quedaba adscrito a la estética de la música indeterminada y del azar. C. adoptó también las formas propias del arte de lo absurdo. Asi, en su Theater Piece 1960 ofrece una serie de acciones incoherentes producidas a la vez. Una de sus obras principales es la titulada Aria, en la que por su inconcreción usa un sistema representativo de sinusoides con distintos colores. En su arte se han reconocido ciertas sugerencias orientales. Ha ejercido influencia en Stockhausen y en las más recientes promociones de compositores.

"Si algo es aburrido tras dos minutos, inténtalo durante cuatro. Si aún es aburrido, ocho. Luego dieciséis. Luego treinta y dos. Con el tiempo, uno descubre que no es nada aburrido."

"Lo primero que me pregunto cuando algo me parece feo es por qué me parece feo. Muy pronto descubres que no hay razón."

"¿Qué es más musical: un camión pasando por una fábrica o un camión pasando por una escuela de música?"

"¿Cuál es el propósito de escribir música? Uno no trabaja con propósitos, sino con sonidos. O la respuesta debe ser paradójica: un propósito sin propósitos, o un juego sin propósito. Este juego, sin embargo, es una afirmación de la vida -no un intento de extraer orden del caos ni de sugerir mejoras en la creación, sino simplemente una forma de despertarnos a la misma vida que estamos viviendo, que es tan excelente que uno quita de en medio su propia mente y deseos y la deja que funcione a su modo."

En su obra se evidencia una busqueda constante de timbres y colores.

"Donde quiera que estemos lo que oímos mas frecuentemente es ruido. Cuando lo ignoramos no molesta. Cuando lo escuchamos lo encontramos fascinante. El sonido de un camión a 50 millas por hora. La estática entre emisoras. La lluvia. Queremos capturar y controlar estos sonidos, y usarlos no como efectos sonoros sino como instrumentos musicales. Todo estudio cinematográfico tiene una biblioteca de "efectos sonoros" grabados en cinta. Con un fonógrafo de cinta ahora es posible controlar la amplitud y la frecuencia de cada uno de estos sonidos y darles ritmo dentro o más allá del alcance de la imaginación. Con cuatro fonógrafos de cinta podemos componer e interpretar un cuarteto para motor de explosión, viento, latido del corazón y corrimiento de tierras."

"Si la palabra música es considerada sagrada y reservada para los instrumentos del siglo 18 y 19, podemos sustituirla por otro término más significativo: organizador de sonido.

"creo que el uso del ruido para hacer música continuará y se incrementará hasta conseguir una música producida con la ayuda de instrumentos eléctricos, que pondrán al servicio de propósitos musicales todos y cada uno de los sonidos que pueden ser oídos. Los medios fotoeléctricos, magnéticos mecánicos para la producción sintética de música serán explorados. Mientras que, en el pasado, el punto de desacuerdo estaba situado entre la disonancia y la consonancia, en el futuro, estará entre el ruido y los llamados sonidos musicales. los métodos actuales de composición, especialmente los que usan la armonía y su referencia a las medidas particulares del campo del sonido, resultarán inadecuados para el compositor, que se encontrará

frente al campo entero del sonido. "

Para mi la obra de este extraordinario compositor nos demuestra que la unica diferencia entre musica y ruido es que la musica se hace premeditadamente con el objetivo de ser escuchada. asi que muchos ruidos puestos sistematicamente se pueden convertir en una buena musica.

el gran desafio como musicos es innovar y hacer del "ruido" o del silencio una gran obra de arte.

http://es.youtube.com/watch?v=hUJagb7hL0E

http://es.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso&feature=related

¿Qué es música?

2008-08-26T07:52:31+02:00

Definir de una manera incluyente en un concepto todos los tipos de música, todas las tendencias, la música conceptual, en fin, Dar una definición acertada de lo que es música siempre a sido un tema de estudio.

Si uno busca en un diccionario encuentra que música es el arte de combinar sonidos para producir un efecto estético expresivo. Pero esta definición es muy parca porque no toda la música produce un efecto estético, entendiendo estética como un modo de sentir, mucha música no produce en el oyente ningún efecto.

Un concepto diferente que es el más utilizado en la academia es que música es un evento sonoro organizado (o desorganizado) que se hace con la intención de ser escuchado o sea que se hace premeditadamente.

Pero existe un problema con esta definición: esta incluye también la narración.

Yo he tratado de encontrar una mejor definición que esta y no la he encontrado aun.

Así que por ahora me gusta pensar que el habla también es música, de hecho los griegos consideraban así, y en nuestra cultura existe una frase que dice: tu voz es música para mis oídos.

Dejo abierta la discusión sobre ¿que es música?

La noción de Modulación de Tempo

2008-08-19T18:33:34+02:00

Hace ya algunos años tuve la oportunidad de componer música para cine. En esos tiempos “pre-modernos” se utilizaba un aparato llamado moviola (inventado en 1924), que servía para editar las tomas en la película definitiva; cuando se inventó el cine sonoro, la moviola era el aparato idóneo para agregar y editar la banda sonora: diálogos, ruidos y música. El compositor de música cinematográfica debía escribir su partitura a partir del script de la película y de las necesidades planteadas por el director del filme, quien podía pedir fragmentos de música alegre, triste, misteriosa, de terror, etc., es decir, un enorme conjunto de calificativos a más de abstractos. Estas piezas musicales podían ser grandes composiciones de 1, 2 ó 3 minutos, por ejemplo para el momento de los créditos, o pequeñas piezas que se ajustaban a otras tantas pequeñas escenas o tomas. La naturaleza de la moviola exigía que dichas tomas se midiesen en segundos, y en tercios de segundo, así el músico podía disponer de, por ejemplo, 4 segundos, más dos tercios de segundo para una escena determinada. Lo más fácil en este caso sería componer dos compases de 2/4 más dos corcheas de tresillo en un tempo de negra=60, aunque sobraría un silencio de corchea de tresillo que debía eliminarse. Otra solución podía ser un fragmento con tres compases: 3/8+3/8+2/8, en un tempo de corchea=180 (60*3=180), lo que nos da el tiempo exacto requerido para la escena. Este pequeño ejemplo nos muestra que en el mismo segmento de tiempo es posible la inclusión de dos fragmentos musicales con tempos diferentes. El tempo, para decirlo fácilmente, es la velocidad en la que sucede la música: una música rápida puede estar en tempo allegro, o en negra=144, que significa que sonarán 144 negras en un minuto. Es posible escribir un fragmento musical continuo que contenga dos tempos diferentes, uno después del otro. Por ejemplo, tenemos una escena que requiera música lenta durante 10”, seguida de 7” de música rápida, aunque sin interrupción en el discurso musical, ¿Qué hacer en este caso? Los primeros 10” pueden ser compases de negras=48 (48 negras en un minuto), lo que sería un tempo muy lento; para conectar con un tempo de corchea=240, lo que es extremadamente rápido. Para poder conectar ambos tempos en forma coherente lo más fácil es escribir un fragmento en quintillos de semicorchea en el último compás del fragmento lento, y tomar uno de estos valores como pivote, y escribir: “una semicorchea de quintillo es igual a una corchea en el tempo nuevo”. De esta manera se asegura el compositor, que tanto el director de la orquesta, como los ejecutantes, tendrán un modo seguro para transitar cómoda y seguramente de un tempo al otro, sin tener que interrumpir el discurso musical. Este procedimiento se conoce como Modulación de Tempo, en analogía a la modulación tonal, que nos permite ir de una tonalidad a otra por medio de cadencias (subdominante, dominante, tónica), aunque en nuestro caso nos valemos de notas pivotes.

Esta experiencia me motivó para estudiar más a fondo este recurso, novedoso para mí, y me di a la tarea de calcular las duraciones de los valores más comunes, a través de valores metronómicos diferentes, descubriendo que las inmensas posibilidades en cuanto a modulaciones de tempo son innumerables. Posteriormente me di cuenta que esta inquietud la han tenido otros músicos y compositores en diversas partes del mundo, pero sobre todo, en Estados Unidos. El compositor Elliot Carter ha utilizado este recurso, que él llama “modulación temporal”, desde hace medio siglo. Henry Cowell lo presintió cuando escribió su famoso tratado “New Musical Resources”, en 1920. Compositores como Stockhausen, Boulez y Xenakis, han abordado, de alguna manera aspectos de este problema. Frank Zappa utilizaba la “modulación métrica”, que es una forma variada de la modulación témpica, insertando tresillos en quintillos, por ejemplo. Esta técnica provee los mismos resultados sonoros, pero dificulta la ejecución a los músicos.

Por ejemplo, en esta figura tenemos en (a) una modulación de tempo en la que una semicorchea del primer compás es igual a una semicorchea de sietillo en el segundo compás. Como ambos compases son de ¼, obviamente el segundo compás deberá tener un tempo más lento que el primero, porque en el ámbito de ¼ existen siete notas con el mismo valor que las cuatro semicorcheas del primer compás. Este tipo de modulación permite que al variar el tempo, se incluyen los valores rítmicos jerárquicos del nuevo tempo, posibilitando más variedad rítmica al discurso musical. En (b) tenemos la misma modulación, aunque en este caso es una modulación métrica, porque se conserva el tempo precedente, cambiando solamente el valor del compás. Para los interesados en este tema, les recomiendo que lean el interesante artículo “Towards a Theory of Tempo Modulation” (2004), de Fernando Benadon, de la Universidad de California en Berkeley, que está muy actualizado y tiene una bibliografía muy interesante.

No puedo terminar este artículo sin mencionar la invaluable contribución del compositor mexicano, nacido en EU, Conlon Nancarrow, quien con ayuda de pianos mecánicos (pianolas), ha desarrollado enormemente, no solamente la noción de modulación témpica, sino que ha introducido la de Politempi, que significa la intervención de melodías ejecutadas en diferentes tempos en forma simultánea, en los cuales se desarrollan también modulaciones témpicas continuas (acellerandos y rallentandos). El siguiente paso, creo yo, es el poder incorporar en forma orgánica variaciones témpico-rítmicas en el ámbito de las microestructuras, aunque este tipo de recursos estaría necesariamente limitado al campo de la composición electrónica y computacional, ya que su extrema complejidad la haría endiabladamente difícil de ejecutar por un músico de carne y hueso en directo.

Por lo tanto, pongo a consideración de nuestra Comunidad este tema “Modulación de Tempo”,esperando que cause, no tan sólo interés, sino motivación.

CARMEN LUNA Arte Internacional Contemporáneo...

2008-07-26T19:11:51+02:00

CARMEN LUNA

CARMEN LUNA
Sigues reciclando…
Sigues recorriendo éste planeta gastado…
Sigues amando los restos tirados…
Sigues esculpiendo el papel…
Mientras tu alma se llena de gozo…
Porque sabes rescatar,
Restaurar,
Crear…

Porque
mientras los demás
duermen sus intenciones mágicas
De mundos únicos
[b]TÚ…
Querida artista
haces ALQUIMIA
con tus sentimientos viscerales
por la gracia de una apasionada vida
entregada al ARTE.

(Giovanna di Arco)

Se recomienda ver las magistrales obras
de la artista Carmen Luna:

http://www.carmen-luna.com

Abundancia creativa en los últimos tiempos.

2008-06-30T02:24:42+02:00

Durante los últimos 15 meses he estado dedicado a investigar acerca de diversos tópicos musicales, lo que me ha llevado a realizar estudios que involucran necesariamente a otras disciplinas: historia, filosofía, tecnología, matermáticas, física, y algo sobre las bellas artes en general. He podido corroborar la íntima relación existente entre todas las áreas de creación artística entre ellas, y con otros temas, sobre todo la filosofía; además es indudable la interrelación entre la expresión artística y la tecnología disponible en el momento. El motivo de este post es la inquietud que me causa el descubrir que en los últimos cien años se ha creado mucho más música que en el resto de la historia, lo cuál es lógico, considerando varios factores: en la actualidad existimos más seres humanos que en el resto de la historia, los recursos creativos se han multiplicado exponencialmente y la globalización de las comunicaciones han favorecido este fenómeno.
Prefiero concentrar mis esfuerzos en el fascinante mundo de la creatividad humana, con su subsecuente globalización, en lugar de lacerarme con el hecho irrebatible de que la idea del stablishment de la "gloriosa" globalización neo-liberal, lo ñunico que ha provocado es la globalización del terror, del narcotráfico, de la violencia, de la miseria, de....
Así pues, me gustaría establecer una relación intelectual con vosotros, y conocer sus puntos de vista acerca de mi creencia en esta explosión de la creatividad, y quizás será interesante iniciar una discusión muy ncreativa.